Рукоделие существует уже очень давно, но идея о том, что шитьё и вышивку можно считать самым настоящим искусством, довольно нова. На протяжении всей истории текстильное искусство рассматривалось как меньшая форма искусства по сравнению с живописью или скульптурой. Это было подходящее увлечение для женщин, но не то, что могло бы выставляться в галерее. Именно эта двойственная природа шитья и вышивки вдохновила феминистских художников в США и Великобритании начать выражать свои политические идеи с помощью текстильного искусства в 1970-х и 1980-х годах. О том, кто стал самым популярным в этой сфере – далее в статье.
Луиза Буржуа
Луиза Буржуа.
Немногие женщины-артистки когда-либо поднимались до такого уровня международной славы, как Луиза Буржуа. С карьерой, охватывающей семь десятилетий и два континента, художница французского происхождения была одной из самых плодовитых творческих личностей своего времени. Её самые известные работы относятся к скульптуре, но она также была опытным художником, гравёром и, разумеется, художником по текстилю. Луиза часто ассоциируется с сюрреализмом, и она несколько раз выставлялась с абстрактными экспрессионистами, но она никогда официально не была членом какого-либо движения, а её художественный стиль был очень уникальным.
В своих масштабных скульптурах и инсталляциях Луиза экспериментировала с различными материалами, которые не считались художественными вплоть до второй половины двадцатого века. Резина, силикон, шерсть и нитки присутствуют во всём её творчестве, на которое повлияли её детские годы.
Материальный мир: Хорошая мать, Луиза Буржуа (подробно), 2003 год. \ Фото: bing.com.
Она родилась в 1911 году в Париже, Франция. Её родители владели мастерской по реставрации старинных гобеленов, так что Луиза имела непосредственный опыт работы с текстилем, при том, что изначально она училась математике в Сорбонне. К 1938 году она закончила своё художественное образование и открыла собственную галерею в Париже. В том же году она познакомилась со своим будущим партнёром, искусствоведом Робертом Голдуотером, и переехала с ним в Нью-Йорк, где её художественная карьера стала ещё сильнее процветать.
Однако воспоминания Луизы о времени, проведённом в мастерской её родителей, и их сложных семейных отношениях никогда не переставали вдохновлять её работы. Идеи, которые были развиты благодаря открытию психоанализа, проявляются в большей части её работ: понятия подсознания, женственности, идеализации, желания, нежности, боли, материнства и смерти занимают видное место во всём её творчестве. Образ паука, наиболее известный в масштабной публичной скульптуре «Maman» 1999 года, был объяснён самой Луизой как изображение её матери: умной, тонкой, обдуманной и терпеливой. Это взаимодействие между ткачеством и материнством также является важным аспектом её текстильных работ.
Четвёртая пара, Луиза Буржуа, 1997 год. \ Фото: i.pinimg.com.
Находясь в тесном контакте с текстилем с самого раннего возраста, Луиза чувствовала эмоциональную связь с различными видами тканей, а шитьё было восстановительным, целебным занятием. На протяжении всей своей жизни она собирала различные обрывки ткани, в конце концов превращая их в глубоко интимные, а порой и автобиографические произведения искусства. Текстиль появляется в её рисунках, иллюстрированных книгах по тканям, сшитых вручную, и фигуративных скульптурах. В то время как её двумерные произведения текстильного искусства были в основном абстрактными, геометрическими и созерцательными, её мягкие скульптуры были очень органичными и часто даже откровенными в их отношении к телу и интимности.
Многогранные работы Луизы Буржуа.
Потратив десятилетия на попытки деконструировать своё собственное детство, интимную жизнь и подсознание, Луиза оказала глубокое влияние в гораздо более широком масштабе, проложив путь для поколений художников, которые продолжат исследовать не только различные виды материалов, но и предметов в искусстве. Хотя она не была членом какой-либо группы или движения, Луиза была ключевой фигурой в феминистском, текстильном искусстве и современной скульптуре.
Анни Альберс
Слева направо: Анни Альберс в ткацкой мастерской в Black Mountain College, 1937 год. \ Йозеф Альбер и Анни Альберс в Доме мастеров, Баухаус, Дессау, 1929-1932 годы.
Анни Альберс была немецко-американской художницей по текстилю и гравёром, одной из первых, кто разрушил привычную бинарность между искусством и ремеслом. Будучи молодой женщиной, интересовавшейся живописью, она была отговариваема от занятий искусством Оскаром Кокошкой, но, несмотря на это, в 1922 году она поступила в школу Баухауза в Веймаре. В то время школа была не очень либеральной, когда дело касалось художественного образования женщин, и Анни не позволили присоединиться к мастерской, в которую она хотела попасть вместе со своим мужем Джозефом Альберсом.
Урожай, вторая часть II, Анни Альберс, 1978 год. \ Фото: ilovebilbao.com.
Поначалу Анни не проявляла интереса к тому, что она считала чрезмерно женственной и простой мастерской ткачества, но вскоре поняла весь потенциал этого тактильного вида искусства. Текстильное искусство станет её основной формой самовыражения на четыре десятилетия, а её работы в конечном итоге проложат путь другим художникам по текстилю к получению признания и дальнейшему изучению этой среды. Ретроспективная выставка Анни 1949 года в Музее современного искусства в Нью-Йорке стала первой выставкой в этом учреждении, посвящённой исключительно художнику по текстилю. Даже на её более позднюю практику гравюры оказали глубокое влияние идеи, которые она получила от ткачества, её абстрактные литографии имеют сверхъестественное сходство с геометрическими узорами гобеленов.
Красные и Синие слои, Анни Альберс, 1954 год. \ Hanging, Анни Альберс, 1967 год.
Гобеленовые работы и гравюры Анни были вдохновлены Баухаузом и её близостью к таким художникам, как Пауль Клее и Вальтер Гропиус. Обладая тонким чувством текстуры и тактильных свойств материалов, она использовала в своих работах натуральные и синтетические нити, металл и пластик, создавая как крупномасштабные, так и мелкомасштабные гобелены с геометрическими узорами, высокой контрастностью и часто сбалансированной симметрией. Её проекты были тщательно изучены и набросаны при подготовке к работе, и это внимание к деталям и чувство баланса можно проследить от её ранних текстильных работ до зрелых исследований в области литографии и трафаретной печати.
Джудит Скотт
Джудит Скотт. \ Фото: blogspot.com.
История Джудит и Джойс Скотт - одна из самых захватывающих в мире искусства.Рождённая с синдромом Дауна, ныне всемирно известная скульптор Джудит была разлучена со своей сестрой-близнецом Джойс в возрасте семи лет. Из-за недиагностированной потери слуха в раннем детстве художницу признали необразованной и отправили подальше от семьи в частное лечебное учреждение. Поскольку в то время не существовало более глубокого понимания инвалидности и психического здоровья, Джудит провела более трёх десятилетий в разлуке со своей сестрой, лишённая какой-либо образовательной или эстетической стимуляции. Однако в 1985 году Джойс стала её законным опекуном и решила забрать сестру к себе домой в Калифорнию. Два года спустя Джудит была зачислена в Художественный центр Creative Growth в Окленде, где в конце концов обнаружила свой талант к волоконному искусству.
Скульптура из волокон и найденных предметов, Джудит Скотт 2004 год. Как и все её работы, она не имеет названия. \ Фото: dosmilvacas.com.
Нитки, шерсть, ткань и другие предметы стали для Джудит новым языком, и вскоре она начала создавать сложные крупномасштабные скульптуры из ткани. Художественный центр сразу же признал её талант и предоставил ей пространство и свободу для использования всех доступных материалов для её красочных тотемов, похожих на коконы, и больших абстракций. Как будто наконец-то получив возможность выразить свои мысли и чувства, Джудит работала над своими скульптурами пять дней в неделю до конца своей жизни, создав в общей сложности около двухсот произведений. Её работы сейчас можно найти во многих музеях и галереях по всему миру, связанных с такими движениями, как outsider art или Art brut. Однако наследие Джудит имеет более глубокие последствия для мира искусства в целом, поднимая некоторые важные вопросы о том, кто на самом деле получает доступ к искусству и созданию произведений искусства.
Тихару Сиота
Слева направо: Выставка: Внутренняя вселенная, Тихару Сиота, галерея Темплон в Париже. \ Ключ в руке, Тихару Сиота, 2015 год.
Тихару Сиота - современный японский художник, работающий в области перформанса и инсталляционного искусства. Она наиболее широко известна благодаря использованию красных и чёрных нитей в иммерсивных инсталляциях. Обозначая связи и человеческие отношения, длинные нити красного цвета сплетаются в паутину и переплетаются с различными предметами, такими как двери, ключи, платья, книги или лодки, создавая абстрактные, но вызывающие воспоминания пространства в залах галерей и музеев.
Подсчёт воспоминаний, Тихару Сиота, 2019 год. \ Фото: exactdn.com.
Японская художница родилась в Осаке, училась в Киото, Канберре, а затем в Берлине, где у неё была возможность работать и учиться у немецкой художницы-инсталлятора Ребекки Хорн, а также у пионера перформанса Марины Абрамович. Тихару получила как общественное, так и признание критиков за свои работы уже в 2000-х годах, но международную известность она получила после участия в выставке японского павильона на 56-й Венецианской биеннале в 2015 году.
Неопределённое путешествие, Тихару Сиота, 2019 год. \ Фото: bing.com.
Наполненные символизмом и тонким поэтическим смыслом, произведения текстильного искусства Тихару исследуют темы воспоминаний, эмоций, близости, женственности, прошлого и наследия. Её крупнейшая персональная выставка «Дрожь души», организованная Художественным музеем Мори, в настоящее время гастролирует по миру. На выставке представлены некоторые из её самых выдающихся работ, таких как «Неопределённое путешествие», «В тишине», «Отражение пространства и времени» и «Соединение маленьких воспоминаний». В то время как её фирменные сети нитей играют определённую роль в инсталляции, каждая работа имеет дело с различными качествами человеческого опыта, от женского тела до течения времени.
Шейла Хикс
Шейла Хикс на фоне одной из своих работ. \ Фото: wallpaper.com.
Шейла Хикс - американская художница, живущая между Парижем, Франция, и Нью-Йорком. Она наиболее известна своими большими, ярко раскрашенными скульптурами из ткани, экспериментальными гобеленами и инновационным подходом к ткачеству и тканевому искусству. Как и Тихару и Луиза, творческая карьера Шейлы была сформирована путешествиями по другим частям мира. Родившись в США после краха Уолл-стрит, она провела большую часть своего детства в разъездах вместе с отцом в поисках работы. Девушка заинтересовалась ткачеством как формой культурного самовыражения во время учёбы в Йельском университете и в конце концов получила стипендию для изучения древних методов ткачества в Чили. Она провела много лет как в Чили, так и в Мексике, учась у традиционных текстильных мастеров и проводя собственные мастер-классы. Для неё ткачество и текстильное искусство представляют собой универсальный язык, который выходит за рамки географии и границ. Собирая традиционные знания из разных уголков мира, Шейла разработала свой собственный уникальный стиль, включающий смелые цвета, сырьё и инновационные подходы.
Чапультепек, Шейла Хикс, 2018 год. \ pinterest.com.
Её ранние произведения текстильного искусства, такие как «Синяя буква», были преимущественно двумерными гобеленами с плоскими цветными поверхностями и различными техниками плетения, в то время как её более поздние работы становились всё более скульптурными. Её колоссальная инсталляция Escalade Beyond Chromatic Lands, выставленная на Венецианской биеннале 2017 года, продемонстрировала как её опыт путешественника/антрополога по текстилю, так и академического художника, интересующегося теорией цвета. «Столп исследования» также раздвинул границы между текстильным искусством, скульптурой и иммерсивной инсталляцией, сочетая мягкие, свободные нити с архитектурными элементами здания музея. Вдохновлённые традициями коренных народов, её работы сейчас представлены в коллекциях крупнейших музеев от США до Европы и Азии.
Эль Анацуи
Эль Анацуи на фоне одной из своих работ. \ Фото: i.pinimg.com.
Эль Анацуи - ганский скульптор и гравёр из Нигерии, чаще всего ассоциируемый с художниками группы Нсукка. Несмотря на то, что Эль не работает непосредственно с теми же типами материалов, что и другие художники по текстилю, он включает шитьё в свою практику. Работы, которые привлекли внимание этого африканского художника к международной публике - это его масштабные проекты текстильного искусства, такие как гобелены, сделанные из алюминиевых крышек от бутылок и подобных металлических частиц, связанных вместе медной проволокой.
Без названия, Эль Анацуи, 2017 год. \ Фото: google.com.
В своей практике он сочетает интерес к традиционным африканским знаниям и ремёслам, таким как ткачество и резьба по дереву, с западными традициями абстрактной скульптуры и гравюры. Его инсталляции с бутылочными крышками выставлялись по всему западному миру в таких учреждениях, как Метрополитен-музей, Бруклинский музей и Венецианская биеннале, изменив некоторые неправильные представления об африканском искусстве и художниках. Найденные и переработанные материалы присутствуют в его работах с 1990-х годов в попытке подчеркнуть культурное, экономическое и экологическое неравенство современного общества и его потребительскую траекторию. Они также связаны с историей Африки, европейской колониальной экспансией и её последствиями, от работорговли до появления рома в Африке. Несмотря на прочную природу материалов, практика сшивания каждого элемента вместе создаёт гибкие, красочные и динамичные гобелены, которые можно демонстрировать в различных обстоятельствах и повторениях. Такие работы, как Bleeding Takari II и Ink Splash, имеют такой же визуальный вид колышущейся ткани, как если бы они были сделаны из ниток или шерсти.
Если вам понравился пост, пожалуйста, поделитесь им со своими друзьями:)
Комментарии (4)